聶永真：將設計藏於無形
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Readmoo編輯團隊
文／Chienwei Wang
聶永真，歲，獅子座，天王天后唱片御用，書籍設計天王、國際平面設計聯盟首位台灣設計師，手遮臉拍照，手臂上有螺絲釘刺青，新書預購五分鐘內銷售一空……，諸多加在他身上的標籤定義，只說明了一件事情「聶永真是台灣最受年輕人喜愛的設計師」，對於崇拜他的粉絲和年輕設計師來說，他猶如神一般的人物，他的設計不只是設計，也是一種收藏。與他齊名的設計師王志弘則說「每個時代總是藉由極少數最優秀的人來定義，聶永真一定是某個時代中擁有最多詮釋權的平面設計師。」
台灣科大設計系畢，台灣藝大應用媒體藝術所肄。洛杉磯十八街藝術中心駐村藝術家；第 21、25 屆金曲獎最佳專輯設計、德國紅點、傳達設計獎得主；德國編集全球百間《AGI》、（2012）與東京 TDC（Type Director Club）收錄，國際平面設計聯盟（AGI）會員（2012）、德國紅點傳達設計國際評審（2013）。除了設計案件，聶永真定期出版個人著作，也主編統籌一系列的攝影藝術書籍出版，近年他也關心社會運動，支持太陽花學運、香港雨傘革命、支持多元成家⋯⋯，要發揮他的影響力，為這個世界帶來正向的力量。
著有《永真急制》、《Re_沒有代表作》、《FW 永真急制》、《不妥》與《#tag 沒有代表作》。主編統籌《tokyo boy alone》（2011，森榮 喜著，東京）與《No. 223》（2012，編號 223 著，北京）。永真急制工作室負責人。
作品年表
2012《其後》／印刻。《莎妹書──Be Wild 不良》／大藝出版。《編號 223》／自轉星球文化《我們從未不認識》、《不妥》／自轉星球文化。《東京異聞》／獨步文化
2013《不在：＿＿＿＿博物館》／大藝出版。《九歌 102 年散文選、小說選》／九歌
2014《#tag 沒有代表作》／自轉星球文化。
On the move
很多人都好奇聶永真為什麼會做出這樣的設計，在背後的邏輯和原理又是什麼，當你被問到這類問題時，通常會如何回應？
如果硬要去屁出一套道理，當然也不是不行，任何一款設計都是在追求平衡感的狀態下做出來的，如果真的要理出一套為什麼要這樣編排，要清楚去說出一個理論，其實我說不出來，因為就是感覺這樣就對了！
有很多設計師可能會所謂的聶永真設計，你要怎麼避？一直避到最後不就沒東西可以避了？
沒有，應該不是我要避吧！其實也沒有避不避這件事，正面來看就是我得時時換做法，但換做法這件事並不無奈，是好的，而是我自己意識到我得要去做新的東西，正向提醒自己某一招不要再用了，這樣也好。
Try running
在設計的過程中，如何與編輯、出版社或廠商溝通、互動及配合？
我做的每本書對印刷廠來說實在讓人頭痛，他們平常很平實的印書就好，沒想到要多費工，但很多工法並非不能做，而是能執行的廠商真的非常難找。就像《歌物件》新經典文化，印務一開始馬上回應「不可能，做不到」，說廠商只能車直線，不能車曲線，當下我就急著在第一時間聯絡常配合的印刷廠，後來知道電繡也可以做出複雜的圖樣，雖然沒有人用紙本做過，但若用磅數厚一點紙張，說不定就可以繡了，這才解決這個技術上的困難。
其實第一時間聽到不可能，後來發現有解決方法時，當下其實非常「美頌」，想說為什麼會有不可能這句話出現。再來就是成本的考量，一般車直線可能一本才 1～2 塊，但《歌物件》的報價卻較高，但因為這是小開本的書，要繡的面積比較小，我請廠商喬到可接受的價格，就能做了。
你的書籍設計除了工法繁複，有時還會做出大開本、頁數厚重的書，請問如何控制成本，又如何與出版社討論設計規格和想法？
像是《莎妹書──Be Wild：不良》大藝出版是劇團十五週年的特別企劃，但像它或是《不在：＿＿＿＿博物館》大藝出版都屬於小眾的書，老實講任何一個劇團出的書都會賠，只有大賠與小賠的差異，既然都會賠，那就要看可以做到多極致、多精采，才能攪動這個領域。《莎妹書》因為文字量大，與出版社編輯就從這點去評估，要用什麼樣的開本、比例及體積，整體感覺才會適中。也就是說，我們一開始就打算要做一本大書，因為若是做正常開本，這本書就會比現在看到的更厚重。
你的設計經常有讓人眼睛為之一亮的配色，請問對於不同案子的色彩配置是基於什麼樣的判斷或考量？其實說不出個所以然，有可能是過去的案子用過太多某幾款顏色，接下來就想要避開，並改用另外的配色，但也可能是出自當下直覺。就拿《九歌 102 年散文選、小說選》九歌來說，之所以選用藍跟綠去區分，主因是藍綠為同系統的顏色；當然，我也可以用紅跟橘，但書封上的燙金已經很亮了，加上金色本身帶著紅的元素，如果我想讓特色被 highlight 出來，就會選擇偏冷的色調去平衡，不過很多時候我對顏色的判斷，只是因為自己喜歡，自己爽才用的。
又或是《Re_沒有代表作》自轉星球文化在 CMYK 四色中，我將 M（紅）換成螢光特別色，所以油墨在混色時，只要帶到紅或橘色，顏色與階調相較於一般四色印刷油墨，就顯得有螢光的感覺，尤其在印歌手照片時，膚色會顯得更為粉嫩些。
你經常用很多不同的別冊或物件去組織一本書，並用盒裝或袋裝收納，這是什麼樣的構想呢？設計時要怎麼去拆解這些元素？
端看設計東西的屬性。像《台北爸爸紐約媽媽》人力飛行劇團出版的節目盒，從功能性考量，當消費者看到裝有這麼多物件時，就會覺得很豐富而引起購買慾。當然，我也可以做成一整本，但那又不夠理想，因為每一份圖像或文字都有屬於它的最好比例，集中在一本就會被限制在同個載體。就像陳俊志的家族老照片適合用老相片袋收納，海報有海報的呈現方式，而盒子可以讓不同的載體共存。會發展這個形式，是因為包裝能固定所有東西，又能增加收藏感，而收藏感則是建構在多樣的物件上頭。
封面中文與英文書名的配置，如何思考其字體與設計上的關係，可否舉一到二個案例說明？
《莎妹書──:Be Wild 不良》的選字走美式 POP 的風格，書名以英文字為主，因為「Be Wild」放大會很好看，「不良」放大的感覺就不太對，這跟書的類型或定位有關；如果是散文或小說，將中文字特殊處理過後放大就會很漂亮，就像《九歌 102 年散文選、小說選》將「散文」和「小說」兩組重新造字的效果。但在這類較為的劇場藝術類書籍，將中文字放大可能會比較「乾」一些，所以在設計上就會有所「取捨」。像如果將「不良」弱化成比較裝飾性的位置，英文書名就要隨之斟酌放大，在整體畫面上也較有平衡感。有時這也跟出版社有關係，要看他們對於強調中文或英文書名時的「安全感」考量，一般的書會強調中文書名，以避免讀者混淆，像《莎妹書》在宣傳時，一律以「Be Wild」為主，加上這本書的讀者群應該不至於看不懂「Be Wild」，才會有讓美感優先於功能的特殊做法，包含整本書的內文編排也都是在玩「感性的審美」。
延伸上一題的「美感優先於功能」的字體編排設計提問，在與出版社合作時是否會遇到質疑，如何解決？
一定會有一些「老派」的出版人會問，認為這樣的設計不易閱讀，或是看不見中文書名，很多剛出道設計師一定會遇到這樣的阻礙，但這個問題非常好解決，因為每個人都有既有的閱讀經驗，良跟不排在一起，你不會唸成「良不」，Be 跟 Wild 擺在一起，也不可能唸成「Wild Be」。所以，即便把字分得再開，順序跟角度也不一樣，讀者還是可以自動找出一個「閱讀的邏輯」。
傳統出版環境的思維，對設計師來說是一個「長期抗戰」的事，一般設計師看來沒有問題的做法，客戶反而會開始擔心很多事，萬一書不賣了，他們就會找出任何可能歸咎的理由，像是書名處理的問題。但，很殘酷的事實是「書不賣就是不賣，無論你做得如何還是不會賣！」有時合作我自己喜歡的設計，客戶不見得會喜歡，他會把它放大，好像所有讀者都會跟他一樣不安，這時就會出現一些拉扯。但你要如何去討論感覺這件事？因為當我自己喜歡時，我覺得有些跟我 sense 一樣的讀者也會喜歡。如果真的很誇張要翻盤重做，我可能會選擇退出，因為一開始給出去的東西，就是你覺得最好的，重做未必不好，但那已經不是你有感覺的東西了。
許多設計師都會提到所謂「去設計」的議題，這是你在設計時會考量的點嗎？請問你怎麼想？
其實，一本書從裡到外，雖然你會發現很多設計，但我都會將它減到最低，不要讓書看起來太過花俏，就像《我們從未不認識》自轉星球文化，用螢光綠穿線裝，或在裝訂邊印上螢光綠特別色，但就到此為止就好了，不要再多。
當大家在講「去設計」並非真的不做設計，我們會把很多很好的設計放在書中，但卻不想讓讀者看到太多痕跡，成熟的設計師不但會做到這些工法而且藏於無形，但年輕設計師可能想讓大家在第一時間看到他的設計，資深的設計師反而不在乎這些事情，而是朝更內斂的方向發展。
若從書的類型來看，《我們從未不認識》本身就是要販賣文字與文味，若不小心設計得再多一點點，雖然一般歌迷可能感覺不出太大差異，但對於你想要喊話的那群讀者可能就會太多，覺得你是在炫技，畢竟他們不是要看林宥嘉玩設計，是要閱讀文字。雖然這是一本純文字書，但因為有歌手與音樂成分，還是需要有一點好看明媚的東西藏在裡頭，但又不要那麼的明顯。
那要怎麼判斷設計要做到什麼程度才不會太多，也不會太少，剛剛好？
純粹憑感覺，但這個感覺可能來自很多方面的影響，可能你這一年做了很多東西，就會自動避掉那方面的設計，或是最近看到很多人都在玩同一招，就會想要避掉。但也可能是你對某些東西麻痺了，覺得它不再有趣的「自我篩選」過程。
由你主編、統籌，以設計為中心的書中，如《tokyo boy alone》或《編號 223》，出版社的行銷考量通常會在你設計的開端就給你意見或參與討論嗎？
通常在做這類書時行銷會擺在最後，如果要考量到行銷，在 art 的成分就會不一樣，所以大多時是書全部做完後再跟出版社討論行銷該如何操作。因為出版社是自轉星球文化，所以給我的開放空間很大，要怎麼搞就怎麼搞。
那這兩本書的作者會跟你討論照片安排的順序，或是畫面並置時所產生的意涵或隱喻等細部配置嗎？
所有編排的圖像順序都是由我決定，森榮喜或 223 都一樣，不讓他們選的原因在於我認為很多攝影集的翻閱節奏都有問題，大部分的照片順序都是攝影師自己安排，他們通常是單張看作品好不好看，只放他覺得最精采的畫面，但設計要考慮前後畫面的關係，要有一氣呵成的節奏考量，有可能上一張比較 busy，翻過來的頁面就要啷一點，這樣呼吸才舒服，對比的節奏感才會好。讀者可能無法在第一時間感受這些細微差異，但對照看後就會知道哪一本看起來是舒服的，哪一本的節奏是斷裂的。
至於圖像意涵方面，223 的每一張照片都有涵義，透過編輯將兩張構圖類似的畫面並排，或是要讓畫面順的刻意配置，可能會衍生出新的意義，但對 223 來說，那可能只是在不同時間拍攝的照片。當你看到相關的故事或隱喻，可能會覺得它們之間有關，但那也許只是設計師製造出另一層新的東西，它可以出現，但脈絡要減到最低，不要大到足以成為另一個故事。
It’s time for something fresh
越來越多書籍講求裝幀設計，依你看，你認為台灣當代裝幀設計的特質有哪些？
台灣裝幀設計其實很成熟，很多年輕設計師都投入這個領域，這樣很好，與日本或其他國家相比，台灣設計師做出來的東西在形式上不輸他們，但你會覺得日本做的東西更「收」，更看得到「精、氣、神」，台灣有很多很好的設計師，他們在視覺上的表現很豐富，很好，但有些少了一點氣。
在台灣還有一個很好的現象，就是很多優秀設計師都會為平裝書籍服務，因為如果是大陸的Ａ咖設計師，他們可能只會做國家級大案子，或只接售價幾千元以上的精緻高價書，在大陸做平裝版的優秀設計師反而比較少。台灣好在是平裝版的流通率高，好的設計師能為這些圖書做設計，是一件更有意義的事情。
Inspiration
很多時候是做的前一天才會去想，當你真正開始做就表示其他案子都已淨空，才能進入一個新的案子。也有比較複雜或難度較高的設計，要花較長的時間醞釀，雖然有時可能真正執行只花一個晚上，但在那之前腦袋就會出現非常多的畫面。平常當然會查找很多 reference，看很多跟設計有關的畫面，像是逛 tumblr 或 behance，不過那些都只是亂看亂玩，不一定跟你現在做的事馬上有連結。很多狀況是看到Ａ卻聯想到Ｃ，Ａ是已經做過的設計，是很好的 reference 但不可能直接挪用，以我的習慣就是讓Ａ變成Ｃ，讓它產生化學變化，變成另外一個完全不一樣的東西。